Andrea

ALKALAY

FOTOGRAFÍAS

Andrea

ALKALAY

BIOGRAFÍA

Andrea Alkalay, fotógrafa con sede en Buenos Aires. Egresada de la Carrera de Diseño Industrial (U.B.A). Durante el 2021 recibe el Primer Premio Latin America Professional Award de World Photography Organisation, exhibe en The Royal Photographic Society Exhibition 163 (UK), en DongGang International Festival ( Corea). En el 2020 es invitada por PHmuseum.com a mostrar su serie Kutho, junto a proyectos asiáticos y participa de Photo London y SelectionArts (UAE ).

Ha realizado exposiciones en museos entre ellos el Museo RAK (UAE), Centro Cultural San Martín (AR), Cultural Mapocho (Chile), The New Gallery (Canadá). En 2018 gana el primer premio del Festival de la Luz, exhibiendo en el Museo Provincial de Bellas Artes de San Juan y participando de la 8va Bienal de Fotografía en Tucumán. En 2016 publica el fotolibro Naturaleza Incierta.

Sus últimos trabajos están publicados en Click Magazine (Italia), F-Stop, Art-Doc, Art-Fluent, foto féminas, Revista G7, Be Cult, Urbanautica, Sony world Photo Book, en el catálogo impreso New Voices de Saatchi Art 202, entre otras revistas culturales .
Muestras y participaciones

2021 – Punto de encuentro. Muestra colectiva en Galería OdA Latin american now, online fair, Artsy, con galería OdA

2020 – Photo London international digital fair, Artsy, con galería OdA BAphoto live, online photo fair, con galería OdA #OTRAFERIADEARTE, online fair, solo show, con galería OdA

2019 – Galería Mundo Nuevo. Territorios y Fronteras. Buenos Aires Art&Swap Ciudad Natural. Marq. Buenos Aires BA Photo con galería OdA Seleccionada en Céfiro Arte. Argentina

2018 – Festival de la luz, Museo Prov. Bellas Artes Franklin Rawson. San Juan. Argentina Territorios y Fronteras. Estación Mapocho. Chile Habitar en América Latina. Cité de Lárchitecture & du patrimoine. París. Siluetas y lazos, MUNT. Tucumán, Argentina Finalista 8va Bienal de Fotografía. Tucumán. Argentina

2017 – Premio TRES y 3. Territorios urbanos. Mención de Honor. Venezuela Fronteras. CC San Martin, Buenos Aires BA Photo con galería OdA Ras Al Khaimah Fine Arts Festival. UAE. Finalista.

2016 – Cuerpo y Deseo. Arte x Arte. Buenos Aires London Calling Project. Sueños. Coningsby Gallery, UK

2015 – Villes de Europe. Galerie Etienne de Causans. Francia Universos. muestra colectiva en galería OdA Oficinas de Arte. Buenos Aires ArtMonaco ‘2015. Asociación Mónaco Argentina. Francia.

MANIFESTO

El arte es un camino hacia lo genuino. Una búsqueda hacia la verdad. Se que no existe, pero el intento me parece válido y es lo que me impulsa a hacer y decir. ​Utilizo los materiales como herramientas para resaltar conceptos. Pienso a través de la fotografía buscando el potencial poético y político que surge de la observación. Me interesa la discrepancia entre lo que vemos y lo que sabemos. La fotografía es un estado constante de aprendizaje que intensifica nuestra memoria y nos da una mejor comprensión del mundo que nos rodea.

Encuentro inspiración en situaciones que afectan mi sistema, ya sea de vida o a nivel vivencial. Detonantes que me provocan curiosidad, asombro, enojo, éxtasis. Las cosas que me afectan, tomo nota y me las guardo para que germinen en algún momento. Nunca sé bien cómo, ni cuándo, ni dónde. Me gusta jugar con las ilusiones.

ACERCA DE KUTHO

Como un homenaje al sol y al misterio del tiempo, los reinos que formaban parte de la ruta de la seda mantienen hoy sus paisajes religiosos, arquitecturas ancestrales buscando altura para llegar a la iluminación, como Lord Buddha. En mis viajes por estas tierras busco vestigios de historia aún latente y encuentro el oro como elemento atemporal.

Percibo cómo sus propiedades pasan a tener otra cualidad relacionada con el pasado/ futuro, más que las del símbolo en sí mismo. ¿Será que la inalterabilidad del metal se asocia a una existencia eterna?

KUTHO proviene de la palabra birmana que significa mérito. Los devotos fieles aplican pan de oro puro en sus reliquias para ganar méritos. Los templos que atesoran el aura del maestro engrosan el peso de sus imágenes sacras hasta perder sus formas. Dejar esa huella de oro es un ritual cotidiano y un paso más hacia una mejor reencarnación. Utilizo las mismas láminas para sellar esta serie de fotografías. Es la impresión en mi memoria de aquel brillo que rebota en las stupas y manos de los hombres fieles que pueden tocar lo más sagrado.

Una gracia que a las mujeres nos está prohibido acceder.

ACERCA DE PAISAJE SOBRE PAISAJE

Paisaje, según una de sus definiciones, es el espacio natural admirable por su aspecto artístico / escenográfico. Lo experimentamos según nuestra capacidad de percepción. Vemos lo que sabemos. Me interesa la idea de la naturaleza como construcción cultural y la composición de un nuevo paisaje con otras lecturas.

La relación entre la fotografía y el paisaje es insuficiente, considerando que la lente no puede capturar ni la experiencia del estar ahí, ni su magnificencia. Exploro lo ilusorio del paisaje natural y su descomposición cromática digital transfiriendo lo captado en un sentido (la vista) a los códigos de otro sistema (RGB). La serie presenta un diálogo entre figuración / abstracción donde lo auténtico se encuentra con lo manipulado, superponiéndose. En primer término está la escenografía monocromática, que puede ser un arbusto, una montaña, la selva; y en segundo plano, el trasfondo digital del detrás de escena. Estas dobles fotografías combinan códigos opuestos que se atraen como la percepción del color a través de su ausencia, o la planitud del papel a través del doblez.

Las gamas cromáticas se revelan a través del plisado que da volumen a la impresión irrumpiendo la geografía con otra topografía en paralelo. Son gestos manuales que utilizo poniendo atención en los artificios y en la materialidad del objeto fotográfico. Subrayo este efecto de arrastrar al terreno de lo artificial lo que viene dado por el orden de lo natural.

#MASDECERCA

ANDREA ALKALAY

Diseñadora Industrial y fotógrafa, nacida en Buenos Aires.
Hoy nos cuenta su rutina e inspiraciones.
¿Contás con alguna rutina que te ayude a enfocarte en tu trabajo?

Ninguna rutina, todo lo contrario. Paso momentos sin poder hacer nada o más bien trabajando en gestión, una actividad que a los artistas nos ocupa tiempo. Pero cuando me cae la ficha…no paro y no paro. Trabajar en la obra misma es lo que más placer da. El reloj no existe en tales ocasiones.

¿Dónde encontrás tu inspiración?

Encuentro inspiración en algunas situaciones o lugares que afectan mi sistema, ya sea de vida o a nivel experiencia. Detonantes que me provocan curiosidad, asombro, enojo, éxtasis. Los viajes, por ejemplo, voy en búsqueda de la extrañeza o al encuentro de culturas que me interesan desde lo vivencial. Las cosas que me afectan, tomo nota y me las guardo para que germinen en algún momento. Nunca se bien cómo, ni cuándo, ni dónde. Me gusta jugar con las ilusiones.

¿Quién fue tu mentor o mayor inspiración?

Tuve y sigo teniendo muchos maestros. Descubrí la poética de la luz con el fotógrafo Guillermo Ueno. Hice muchos años de taller con él. En Proyecto Imaginario conocí a Eduardo Stupia, Fabiana Barreda, Martin Estol, Santiago Porter, Alfredo Srur , valiosos artistas que han dejado huella en mí. Me inspira formar parte del taller de Lorena Fernández, con un grupo potente de compañeros, agradezco estar ahí ahora.

¿De qué se trata la serie KUTHO, y por qué elegiste trabajar con oro?

Mi última obra son fotografías en blanco y negro intervenidas con oro puro. Inspirada en el concepto birmano de mérito (Kutho). Hablo de religión asociada a poder y a la relación entre lo visible y lo no visible. Las imágenes pertenecen a los antiguos reinos budistas de Indochina donde los hombre fieles cubren con oro sus reliquias sagradas para una mejor reencarnación, una gracia que a las mujeres nos está prohibido acceder. Utilizo el mismo oro para sellar la serie. Es un trabajo entre pictórico y fotográfico.

¿Estás trabajando en un nuevo proyecto?

En estos momentos estoy ordenando pequeñas ideas en estado caótico. Nada que pueda comentar ahora.

Habiendo tantas ramas en el mundo del arte, ¿Cómo fue que encontraste lo que te gusta hacer?

Fue de manera muy natural pues yo vengo del área creativa. Soy diseñadora Industrial egresada de la UBA y muchos años trabajé como diseñadora gráfica también. Es decir que la fotografía siempre me acompañó en la vida profesional. Un día decidí dejar ese mundo para dedicarme 100% al arte. Era sin duda la fotografía como arte conceptual lo que mas me interesó.

¿A quién recurrís cuando necesitás una segunda opinión?

Me resulta clave recurrir a mi grupo de taller de arte. Llevar las ideas y escuchar a mis compañeros, revisar el material grupalmente me permite tomar distancia de mi misma. Aprovecho a consultar con la artista y curadora Lorena Fernández para resetear el chip. Escucho a mis hijos que no me tienen piedad. Me pasó con el proyecto Territorios Urbanos, que en algunos ámbitos generaba cierta incomodidad la temática y se discutía bastante sobre la obra en sí. Personalmente ésto me generaba una satisfacción enorme. Lo peor es cuando nadie tiene nada que decir, ¿no?

De los artistas actuales, ¿A quién admirás?

Muchos hay que me encantan. Gerard Ritchter, Sophie Calle, Tracey Emin, Hiroshi Sugimoto, Wolfgang Tillmans, Ana Gallardo, Noémie Goudal.

Dentro de tus años de carrera, ¿Qué logro es el que más te enorgullece?

Fue hermoso publicar un libro (Naturaleza Incierta) y atesoro memorables recuerdos con las series Territorios y Fronteras, muy reconocidas en el exterior del país pudiendo ser exhibidas con públicos muy diversos.